«Reframing the Muse»: Οι σύγχρονες γυναίκες καλλιτέχνιδες που διεκδικούν τη μητρότητα

Καθώς ανοίγει η έκθεση «Reframing the Muse» στο London Art Fair, η επιμελήτρια της έκθεσης Ruth Milinggton αποκαλύπτει μια νέα φρουρά σύγχρονων γυναικών καλλιτεχνών που απορρίπτουν τις υπερβολικά ρομαντικές απόψεις για τη μητρότητα και αντιθέτως αγκαλιάζουν ανοιχτά το θέμα.

«Υπάρχουν καλοί καλλιτέχνες που έχουν παιδιά. Τους λένε άντρες», σημείωσε διάσημα η Tracey Emin, εξηγώντας ότι η μητρότητα θα «έθετε σε κίνδυνο» το έργο της. Δεν είναι η μόνη με αυτή την πεποίθηση: Η Marina Abramović δήλωσε ομοίως στη γερμανική εφημερίδα Der Tagesspiegel ότι έκανε τρεις αμβλώσεις, επειδή ήταν σίγουρη ότι η απόκτηση παιδιών «θα ήταν καταστροφή» για τη δουλειά της. «Κάποιος έχει μόνο περιορισμένη ενέργεια στο σώμα», είπε, «και θα έπρεπε να τη μοιράσω».

Χωρίς να συγκρατηθεί, η Abramović υποστήριξε ότι η μητρότητα είναι «ο λόγος για τον οποίο οι γυναίκες δεν είναι τόσο επιτυχημένες όσο οι άνδρες στον κόσμο της τέχνης». Ωστόσο, σήμερα πολλές σύγχρονες μητέρες καλλιτέχνιδες όχι μόνο συνδυάζουν τη μητρότητα με μια επιτυχημένη καριέρα, αλλά και την εκλαμβάνουν ως τεράστια πηγή έμπνευσης για τα θέματά τους. Δεν είναι καιρός να δούμε τη μητρότητα όχι ως εμπόδιο, αλλά ως πραγματικό πλεονέκτημα, για τον κόσμο της τέχνης;

«Reframing the Muse» η έκθεση

Ιστορικά, η μητρότητα έχει αναμφίβολα θεωρηθεί, από καλλιτέχνες, εμπόρους, κριτικούς και επιμελητές, ως αυτοκτονία καριέρας. «Ο αποκλεισμός ήταν διττός, επηρέαζε τόσο την ίδια την καλλιτέχνιδα όσο και τη μητρότητα ως θέμα», λέει η κριτικός τέχνης Hettie Judah, της οποίας το βιβλίο «How not to Exclude Artist Mothers (and other parents)» κυκλοφόρησε πρόσφατα.

Σε πρακτικό επίπεδο, ο κόσμος της τέχνης δεν είναι ακριβώς διαμορφωμένος για να φιλοξενεί παιδιά: βραδιές ιδιωτικών προβολών με κρασί, απαιτητικές ημέρες εγκατάστασης εκθέσεων, διαμονές και στούντιο χωρίς παιδικούς σταθμούς στο χώρο, όλα αυτά αποτελούν πολύ απτά εμπόδια για τη γονεϊκότητα. Στις σχέσεις μεταξύ καλλιτεχνών, είναι παραδοσιακά η γυναίκα που έχει αναλάβει την ευθύνη για τη φροντίδα των παιδιών, επιτρέποντας στους άνδρες συντρόφους τους να έχουν χρόνο μόνοι τους στο στούντιο, ενώ πρέπει να διακόψουν τη δική τους πρακτική.

«Για αιώνες, η τέχνη των γυναικών θεωρούνταν κατώτερη», λέει η Judah. «Η οικιακή σφαίρα ήταν η σφαίρα της γυναίκας και έτσι θεωρούνταν δευτερεύον θέμα για την τέχνη». Σημαντικές γυναίκες ιμπρεσιονιστές παραγκωνίστηκαν για την εστίασή τους στις μητέρες και τα μωρά στο σπίτι και τους ιδιωτικούς κήπους, και αυτή είναι μια στάση που παραμένει: «Ακόμα και σήμερα, οι φοιτητές τέχνης αποθαρρύνονται από το να κάνουν έργα για τη μητρότητα και τους λένε ότι δεν είναι θέμα για σοβαρή τέχνη», λέει η Judah. Η θέση αυτή μοιάζει ιδιαίτερα άδικη, δεδομένου ότι οι άνδρες συχνά δεν έχουν βιώσει την ίδια προκατάληψη. Αντίθετα, το μοτίβο της μητέρας και του παιδιού είναι ένα από τα πιο ανθεκτικά στην ιστορία της δυτικής τέχνης, με καλλιτέχνες όπως ο Leonardo da Vinci,ο Caravaggio, Raphael, ο William-Adolphe Bouguereau και ο Gustav Klimt να επαινούνται για την προσέγγισή τους σε αυτό το θέμα, το οποίο θεωρείται σημαντικό στα χέρια τους.

Οι άνδρες έχουν επίσης επαινεθεί για το γεγονός ότι παίρνουν τα ίδια τους τα παιδιά ως θέματα. Ο Thomas Gainsborough ζωγράφιζε συχνά τις δύο κόρες του, με πολύ αγαπημένες απεικονίσεις της Margaret και της Mary κρέμονται σε μεγάλα μουσεία παγκοσμίως, ενώ οι ρομαντικές απεικονίσεις της Madame Renoir και του γιου τους Pierre του Renoir έχουν αποφέρει εκατομμύρια δολάρια σε δημοπρασίες. Περνώντας στη σύγχρονη τέχνη, η Marguerite Matisse πρωταγωνίστησε σε αρκετούς πίνακες του πατέρα της, ενώ ο Picasso – ο οποίος είχε ως μούσα την κόρη του Maya – γιορτάστηκε για τη σύνδεση της παιδικής ηλικίας με τη δημιουργικότητα.

Αυτή η προκατειλημμένη ιστορία της τέχνης, λοιπόν, θέτει το ερώτημα: γιατί να μην επαινούνται και οι γυναίκες που παίρνουν τη γονεϊκότητα ως πηγή έμπνευσής τους; Απαντώντας, ένας αυξανόμενος αριθμός σύγχρονων γυναικών καλλιτεχνών αρχίζει να αντιμετωπίζει το πανάρχαιο ταμπού και να αγκαλιάζει ανοιχτά το θέμα, αναδιατυπώνοντας τα δικά τους παιδιά, άλλες μητέρες και τον εαυτό τους ως μούσες που εμπνέουν.

Προσφέροντας στους θεατές μια πολύ πιο αυθεντική και εκτεταμένη άποψη της μητρότητας από ό,τι οι άνδρες συνάδελφοί τους, οι σύγχρονες γυναίκες καλλιτέχνιδες λαμβάνουν όλο και περισσότερο αναγνώριση από εμπορικές γκαλερί, εκθέσεις τέχνης και μουσεία. Η Nikoleta Sekulovic, η οποία εκπροσωπείται από τη γκαλερί Rebecca Hossack, είναι μια τέτοια καλλιτέχνιδα, η οποία, από τότε που έγινε η ίδια μητέρα, βρίσκεται σε μια αυτοαποκαλούμενη «αποστολή» να «απεικονίσει τη σύγχρονη μητέρα ως μούσα» μέσα από τους πίνακές της. «Είναι μια πηγή έμπνευσης που πολύ συχνά περνά απαρατήρητη», εξηγεί η ίδια. «Δεν συνηθίζουμε να τις αναγνωρίζουμε ως τέτοιες, αλλά είναι. Η ζωή τους όμως είναι συνήθως τόσο γεμάτη, ειδικά οι μητέρες με μικρά παιδιά, που συχνά δεν έχουν το χρόνο να νιώσουν μούσες. Ως εκ τούτου, είναι μοναδικό και ενδυναμωτικό να τους δίνουμε αυτή τη στιγμή, μια στιγμή να στέκονται ακίνητες στο χρόνο, αιώνια στον καμβά, χωρίς να προσποιούνται ή να προσπαθούν να ικανοποιήσουν κανέναν, απλά μοναδικά τον εαυτό τους».

Εν τω μεταξύ, η σκωτσέζικης καταγωγής κινεζική παραστατική ζωγράφος Elaine Woo MacGregor προβληματίζεται άμεσα για τη σχέση με τα δύο μικτής φυλής παιδιά της, την Carina και τη Ramona, τα οποία εμφανίζονται στην πιο πρόσφατη σειρά της, Maman et Muses. Μέσα από σύνθετες, σκηνές ενηλικίωσης, πλαισιώνει σημαντικές φευγαλέες στιγμές του χρόνου, αναμνήσεις και την ψυχολογική οικειότητα που έχει με τα παιδιά της.

Το έργο της υποδεικνύει επίσης μια σχέση που αλλάζει για πάντα, καθώς τα παιδιά της αναπόφευκτα μεγαλώνουν, μεταφέροντας τον θεατή «πέρα από ένα πορτρέτο ομοιότητας». Πίνακες όπως το έργο Bathers in Avon (2022) βασίζονται σε αληθινά γεγονότα: η καλλιτέχνης θυμάται το καλοκαίρι του 2021, όταν «τα παιδιά ήταν πολύ ανέμελα και έκαναν άγριο μπάνιο στο τοπικό μας ποτάμι (Avon) στο Linlithgow. Ήθελα να αποτυπώσω το πνεύμα της νεολαίας και μια αίσθηση ηλεκτρισμού –ειδικά αν αναλογιστεί κανείς την ατμόσφαιρα που επικρατούσε εκείνη την εποχή κατά τη διάρκεια της παγκόσμιας πανδημίας-». Υπάρχει μια ακαθόριστη ποιότητα σε πολλές από τις σκηνές της Woo MacGregor. Είναι σαν να προστατεύει τους προσωπικούς της εικονιζόμενους από τον υπερβολικό έλεγχο ή την προσεκτική παρατήρηση του θεατή, δημιουργώντας σκόπιμα σουρεαλιστικές, ονειρικές αφηγήσεις.

Reframing the Muse

Αντίθετα, το προσωπικό γίνεται πολιτικό στους πίνακες της Αμερικανίδας καλλιτέχνιδας Ashley January. Ήταν η δική της τραυματική εγκυμοσύνη και η επιβίωση του πρόωρα γεννημένου γιου της που έχει επηρεάσει τους αφιλτράριστους πίνακες της January που απεικονίζουν μαύρες μητέρες και μικρά παιδιά. Με επίκεντρο τις εμπειρίες των υποκειμένων της, με μοτίβα δομημένα γύρω από τις τελετουργίες της φροντίδας, ασχολείται με την κρίση της μητρικής θνησιμότητας και νοσηρότητας των μαύρων στην Αμερική, όπου οι μαύρες γυναίκες έχουν τρεις έως τέσσερις φορές περισσότερες πιθανότητες να πεθάνουν από επιπλοκές που σχετίζονται με την εγκυμοσύνη σε σχέση με τις λευκές γυναίκες.

Όπως εξηγεί η January, οι εικόνες της έχουν ως στόχο «να χρησιμεύσουν ως παγκόσμιο κάλεσμα σε δράση για περισσότερη ευαισθητοποίηση, έρευνα και εξάλειψη του περιττού μητρικού και βρεφικού θανάτου». Επαναπροσδιορίζοντας και ανατρέποντας το μοτίβο μητέρας και παιδιού της ιστορίας της τέχνης, μοιράζεται ένα ισχυρό και επίκαιρο μήνυμα για λογαριασμό των υποκειμένων της. Ονομάζοντάς τα σκόπιμα μέσω των τίτλων της και απεικονίζοντάς τα με ανθρωπιά, τα παρουσιάζει ως πραγματικούς ανθρώπους και όχι ως στατιστικές, που αξίζουν να αντιμετωπίζονται με την ίδια φροντίδα.

Ιστορικά, το θέμα της μητρότητας δεν έχει ληφθεί σοβαρά υπόψη όταν δημιουργείται από μια γυναίκα, αλλά έτσι ακριβώς απαιτούν καλλιτέχνιδες-μητέρες όπως η January να βλέπουν το έργο τους. Απορρίπτοντας τις υπερβολικά ρομαντικοποιημένες απόψεις για τη μητρότητα, η καλλιτέχνιδα φωτίζει τα ζωτικά ζητήματα και τις άβολες αλήθειες που αντιμετωπίζουν οι μητέρες και βρίσκει βήμα γι’ αυτό. Μέσω ατομικών και ομαδικών εκθέσεων η January μοιράζεται το έργο της – και το μήνυμά της – με το κοινό τόσο στις ΗΠΑ όσο και στο Ηνωμένο Βασίλειο.

«Υπάρχει μια αλλαγή γενιάς. Πολλές από τις σύγχρονες συνομήλικες μου ένιωθαν ότι δεν θα τις έπαιρναν στα σοβαρά αν έκαναν παιδιά, αν γίνονταν μητέρες, αυτή η πλευρά της ταυτότητάς τους κρατούνταν μακριά από τα μάτια τους», εξηγεί η Judah. Ωστόσο, πρωτοπόροι όπως η Chantal Joffe, η Ishbel Myerscough, η Louise Bourgeois και η Jenny Saville άνοιξαν αναμφίβολα το δρόμο για την επόμενη γενιά. «Οι καλλιτέχνιδες στα τριάντα τους αισθάνονται όλο και περισσότερο εξουσιοδοτημένες να δημοσιοποιήσουν την ταυτότητά τους ως μητέρες. Νομίζω ότι τα μέσα κοινωνικής δικτύωσης και η πανδημία έπαιξαν επίσης ρόλο στην ομαλοποίηση της δημόσιας κοινοποίησης λεπτομερειών της ιδιωτικής μας ζωής».

Κοιτάζοντας μπροστά, ο κόσμος της τέχνης πρέπει να κατανοήσει καλύτερα τις ανάγκες των μητέρων-καλλιτεχνών και να τους δώσει χώρο. Όπως προτείνει η Judah στο μανιφέστο της, είναι σημαντικό να αντιμετωπίζεται η καλλιτέχνης «ως ολόκληρο πρόσωπο». Κατά περίπτωση, αυτό περιλαμβάνει το να δίνεται βήμα στις αναπαραστάσεις τους για το διαχρονικό θέμα της μητρότητας, το οποίο αποτελεί κεντρικό στόχο της επιμελημένης έκθεσης «Reframing the Muse» στο London Art Fair.

Διευρύνοντας τις έννοιες για το ποια και τι είναι η μούσα – πέρα από τις τροπικότητες του υποταγμένου νεαρού γυναικείου μοντέλου – αυτή η έκθεση εστιάζει και σέβεται το μητρικό βλέμμα καθώς πέφτει πάνω στο σώμα της ίδιας της καλλιτέχνιδας, σε άλλες μητέρες και παιδιά. Με τις Ashley January, Nikoleta Sekulovic και Elaine Woo MacGregor, μεταξύ άλλων, αυτή η έκθεση σκοπεύει να αποδείξει ότι υπάρχουν σπουδαίοι καλλιτέχνες που έχουν παιδιά. Ονομάζονται γυναίκες.

ΔΙΑΒΑΣΕ ΕΠΙΣΗΣ

Η Joan Didion αποκτά τη δική της retrospective έκθεση στο Hammer Museum

Ήταν ο ορισμός του «αινιγματικού», η γυναίκα που κρυβόταν πίσω από ένα ύφος αδιαφορίας και ένα ζευγάρι γυαλιά ηλίου σαν της Jackie O, σοφή και ανεξιχνίαστη. Γύρω της υπήρχε πάντα ο αέρας του δικού της προσωπικά δημιουργημένου μυστηρίου, η Joan Didion πέθανε τον Δεκέμβριο του 2021 σε ηλικία 87 ετών και ήταν μία από τις πρώτες, μεγάλες και βασικές λογοτεχνικές προσωπικότητες της εποχής μας.

«Reframing the Muse»: Οι σύγχρονες γυναίκες καλλιτέχνιδες που διεκδικούν τη μητρότητα — ΠΗΓΗ: LE MONDE

Η πρωτοπόρος της «νέας δημοσιογραφίας» του Tom Wolfe, παραγωγική, βαθιά δοκιμιογράφος και τραγωδός, μέσα σε έξι δεκαετίες ειρωνικών μυθιστορημάτων, μη μυθοπλασίας και σεναρίων, εξιχνίασε τα βάθη της ανθρώπινης κατάστασης με ευθυμία και απόγνωση. Όπως ο Fitzgerald και ο Cheever η πεζογραφία της αντανακλούσε μια καθαρά αμερικανική ευαισθησία, και πιο συγκεκριμένα την ευαισθησία της Καλιφόρνιας.

Από τις 11 Οκτωβρίου 2022 μέχρι τις 19 Φεβρουάριου 2023, θα είναι το θέμα μιας νέας αναδρομικής έκθεσης του μουσείου Hammer του UCLA στο Λος Άντζελες, με τίτλο «Joan Didion: What She Means». Η έκθεση, περιγράφεται ως «έκθεση ως πορτρέτο» και θα εκτίθεται σε μία έκταση 10.000 τετραγωνικά μέτρα με λευκούς τοίχους και ξύλινα πατώματα και θα περιλαμβάνει ένα επιδέξιο μείγμα 215 εκθεμάτων, από προσωπικά αντικείμενα της συγγραφέως, όπως η πινακίδα από το μεσιτικό γραφείο του πατέρα της, το σάλι της προγιαγιάς της, μέχρι έργα γλυπτικής, ζωγραφικής, φωτογραφίας και, παραδόξως, ένα κλιπ ταινίας με κοντινό πλάνο του
John Wayne, όλα τα αντικείμενα που παρουσιάζονται, βρίσκονται εκεί για να πλαισιώσουν τη ζωή και το έργο της.